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Jul 19, 2023

Exposiciones en Nueva York: dónde ir ahora mismo

Las exhibiciones de los museos en Nueva York cubren una gran variedad de temas, desde el arte hasta la historia y la propia historia de la ciudad de Nueva York. Aquí están nuestras selecciones de las exposiciones imperdibles que se exhiben ahora en museos de toda Nueva York.

Las exhibiciones de los museos en Nueva York cubren una gran variedad de temas, desde el arte hasta la historia y la propia historia de la ciudad de Nueva York. Aquí están nuestras selecciones de las exposiciones imperdibles que se exhiben ahora en museos de toda Nueva York.

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Mary Mattingly, Biosphere, 2015. Cortesía de Mary Mattingly, Bronx Museum of the Arts y Museo Nacional de Bellas Artes de la Habana.

Si hay algo que les encanta a los neoyorquinos es la comida. Comerlo, descubrirlo, hablar sobre ello, hacer You Tubing sobre ello, escribir sobre ello… A los neoyorquinos les encanta todo lo que tiene que ver con la comida. Entonces, Food in New York: Bigger Than the Plate en el Museo de la Ciudad de Nueva York alcanzará el punto óptimo para muchos neoyorquinos; examina los sistemas alimentarios y alimentarios de la ciudad, con temas subyacentes de sostenibilidad y acceso a los alimentos, entre otros.

La exposición comenzó en el Victoria and Albert Museum de Londres y se ha adaptado a los hábitos alimentarios de los neoyorquinos y a los sistemas alimentarios de la ciudad. También examina cómo los artistas y diseñadores pueden ayudar a desarrollar soluciones a los desafíos alimentarios locales y globales; Más de 20 artistas tuvieron la tarea de idear formas de afrontar estos desafíos. La exposición en sí desafía a los espectadores a pensar en la red de conexiones y procesos que se necesitan y utilizan antes de que cada comida en un restaurante, cada paleta helada de un camión de helados o cada bolsa de papas fritas de una tienda de la esquina lleguen a sus manos y a su boca. .

Una vez en la exhibición, vea Biosphere, de Mary Mattingly (arriba); cultiva plantas nativas en agua salada, justo en el museo. Explore también el Sub Culinary Map de Maira Kalman y Rick Meyerowitz, que toma un mapa del metro de la ciudad de Nueva York y lo ilustra con nombres de alimentos; y una foto de los estantes de las bodegas de Pablo Delano. La exhibición también incluye obras de la colección del museo, como el Diorama del Mercado de Moscas recientemente restaurado, que muestra un mercado de alimentos que funcionó desde 1699 hasta 1800 en la ciudad.

¿Hambriento de más? Aquí tienes una alerta de actividad divertida: publica tu refrigerio, plato, restaurante o comida favorita con el hashtag #FoodinNYC para que aparezca en la pantalla de la galería del museo. Hasta el 30 de septiembre.

1220 Quinta Avenida, 212-534-1672, mcny.org

Georgia O'Keeffe. Evening Star No.III, 1917. Acuarela sobre papel montado en tabla. 8 7/8 x 11 7/8 ″ (22,7 x 30,4 cm). El Museo de Arte Moderno, Nueva York. Fondo Sr. y Sra. Donald B. Straus, 1958. © 2022 Museo Georgia O'Keeffe / Sociedad de Derechos de Artistas (ARS), Nueva York.

Tomando su nombre de una cita de la propia Georgia O'Keeffe, la exposición To See Takes Time en el MoMA esta primavera se centra en el trabajo menos conocido de la artista, así como en su proceso. Las obras expuestas incluyen dibujos más pequeños en una colección de obras sobre papel, desde carbón hasta acuarela, lápiz y pastel, junto con algunas de las pinturas de O'Keeffe.

Mejor conocida por sus pinturas de flores monumentales y sus paisajes del suroeste, O'Keeffe experimentó revisando y reelaborando los mismos temas y motivos durante toda su carrera. Su producción entre los años 1915 y 1918 fue extraordinaria e incluyó desnudos y paisajes orgánicos, así como “especiales”, como denomina a los carboncillos abstractos.

La exposición ofrece a los espectadores una oportunidad única de seguir la progresión de O'Keeffe como artista y comprender su proceso más plenamente. Sus vistas aéreas, por ejemplo, realizadas en su mayoría en la década de 1950, capturan la perspectiva cambiante vista desde un avión en vuelo y serán nuevas para muchos visitantes. Algunas de sus obras sobre papel dieron lugar a pinturas de gran escala; Estos se instalarán entre sí.

Las obras más pequeñas bien pueden ser reveladoras para los admiradores de las exuberantes flores e imágenes a gran escala de O'Keeffe que evocan el suroeste. La exposición muestra más de 120 obras creadas a lo largo de cuatro décadas, incluidas varias de la colección del propio museo. Las obras expuestas brindan contexto al trabajo de la artista, además de mostrar a los espectadores cómo desarrolló sus motivos a lo largo de su carrera, tomando sus observaciones y refinándolas en el ámbito de lo abstracto.

La exhibición es imprescindible para los fanáticos de su trabajo, así como para aquellos que desean aprender más sobre la artista, a menudo llamada "La madre de los modernismos estadounidenses", y su lugar indeleble en el arte estadounidense. Hasta el 12 de agosto.

11 W. 53rd St., 212-708-9400, moma.org

En 1962, Barbara Chase-Riboud, nacida en Estados Unidos, visitó el estudio del escultor suizo Alberto Giacometti en su estudio de Montparnasse. Ambos eran expatriados que vivían en París, y la visita forjaría una conexión entre ellos que infundió su arte y su enfoque del proceso creativo. Su último encuentro tuvo lugar en Milán, unos años antes de la muerte de Giacometti.

Ambos artistas se centraron repetidamente en la forma humana en sus esculturas, Giacometti con arcilla, primero moldeando a mano y luego vaciando en yeso; Chase-Riboud (también poeta y novelista; sus memorias se publicaron en 2022) utilizó el proceso de cera perdida para su obra de arte en bronce, que combinó con fibra, lana y seda anudadas y trenzadas.

En la exposición se incluyen cinco esculturas de yeso de Femmes de Venise de Giacometti, realizadas para la Bienal de Venecia de 1956; Estas obras se encuentran por primera vez en Estados Unidos. También se presentan: primeras esculturas de bronce, incluida la primera pieza figurativa La pareja. También se presentan obras de los 70 años de carrera de Chase-Riboud, incluida la conocida All That Rises Must Converge (1973), una imponente y fascinante escultura de bronce, seda y fibra de seda. Otras obras incluyen The Cape (1973); Zanzíbar (1974); y Mujer negra de pie de Venecia (1969-2020).

Vista en contexto, la exposición demuestra no sólo el uso repetido de la figura humana, sino también otras conexiones compartidas, como la doble fascinación de los artistas por el arte y la arquitectura del antiguo Egipto. De hecho, ambos artistas recurrieron al pasado para informar su trabajo. La exposición tiene menos de 30 obras, cada una de ellas imponente por sí sola, pero aún más en conjunto con las demás. El resultado no es sólo una exposición, sino un baile, una conversación.

Como dijo Chase-Riboud, “…La escultura como objeto creado en el espacio debe enriquecer, no reflejar, y debe ser hermosa. La belleza es su función”. Hasta el 9 de octubre.

11 W. 53rd St., 212-708-9400, moma.org

Ed Ruscha. La estación estándar, Ten-Cent Western se parte por la mitad. 1964. Óleo sobre lienzo, 65 × 121 1/2” (165,1 × 308,6 cm). Colección privada, Fort Worth. © Edward Ruscha, foto © Evie Marie Bishop, cortesía del Museo de Arte Moderno de Fort Worth.

El Museo de Arte Moderno ha anunciado que ED RUSCHA / NOW THEN, la presentación más completa del trabajo del artista y su primera exposición individual en el MoMA, se realizará el próximo mes. La muestra se presentará del 10 de septiembre de 2023 al 6 de enero de 2024. A lo largo de 65 años, la exposición presentará más de 250 obras, producidas desde 1958 hasta el presente, en medios que incluyen pintura, dibujo, grabados, cine, fotografía y libros de artista. , e instalación.

11 W. 53rd St., 212-708-9400, moma.org

Trabajo en progreso de Sarah Sze, 2022. © Sarah Sze. Foto: Cortesía de Sarah Sze Studio.

El Museo Guggenheim ha transformado su edificio en una serie de instalaciones site-specific realizadas por la reconocida artista Sarah Sze. Espacios que incluyen el exterior del edificio, el sexto nivel de la rotonda e incluso la galería del nivel de la torre adyacente. La exposición aprovecha el increíble diseño del edificio para ofrecer una meditación sobre cómo la percepción del tiempo y el espacio se ve afectada por el bombardeo constante de objetos e imágenes tanto virtuales como reales. La exposición comienza en el exterior del edificio, donde se proyectan imágenes en la fachada; Una proyección refleja en tiempo real el ciclo de la luna a lo largo de la exposición. El vídeo, la escultura, el dibujo e incluso el sonido juegan un papel dentro del edificio.

El museo también exhibe dos obras de su colección, que se exhiben en Nueva York por primera vez: la primera obra de arte de Sze que incorpora video, Untitled (Media Lab, Casino Luxemburgo) 1998, que combina arte encontrado y video; y Timekeeper, una instalación multimedia con un escritorio de artista en el centro. Hasta el 5 de septiembre.

1071 Quinta Avenida, 212-423-3500, guggenheim.org

Henry Jones Tadeo. Rachel [Sassoon] Cerveza, 1887. Óleo sobre lienzo; 52 × 37 pulgadas (132,1 × 94 cm). Colección privada. Anteriormente en la colección de Siegfried Sassoon.

Después de cuatro generaciones de la familia judía Sassoon en todo el mundo, la exposición The Sassoons ya está abierta en el Museo Judío.

La familia Sassoon jugó un papel decisivo en el coleccionismo de arte, así como en el compromiso cívico y el mecenazgo arquitectónico. Más de 140 obras recopiladas desde principios del siglo XIX hasta la Segunda Guerra Mundial pueblan la exposición, que reúne pinturas, manuscritos iluminados, judaica poco común y ricas artes decorativas, algunas de los propios miembros de la familia, otras tomadas de colecciones públicas y privadas. No debe perderse: el arte ceremonial judío; manuscritos hebreos bellamente decorados del siglo XII; y delicadas tallas de marfil chino. Las pinturas del canon occidental incluyen obras de Thomas Gainsborough, John Constable y Jean-Baptiste-Camille Corot. También se incluyen magníficos retratos de miembros de la familia realizados por John Singer Sargent.

La exposición recorre el camino de cuatro generaciones de la familia Sassoon a lo largo de su historia coleccionista, tocando diversos temas, desde el colonialismo hasta la discriminación: desde la diáspora hasta la guerra. Al hacerlo, la exposición no sólo traza la historia de la familia y sus intereses y pasiones, sino también los principales problemas que dieron forma al mundo en el momento en que se recopilaron las obras, y continúan haciéndolo hoy.

Nota: una amplia selección de programas para adultos y familias acompañará la exposición, desde talleres de dibujo hasta recorridos por la exposición. Hasta el 13 de agosto...container{}:root{--primary-color:orange;--secundary-color:pink;--book-font:'Roboto Condensed',-apple-system, BlinkMacSystemFont, "Segoe UI", Roboto, Helvetica, Arial, sans-serif, "Apple Color Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Symbol";--border-radius:200px;--border-color:#ececec;--form-border :1px solid #ececec;--box-shadow:none}#RootRezWidget{// debe heredar las fuentes de su sitio, pero puede agregarlas aquí si es necesario. Líneas de ejemplo:}// descomentar y modificar para anular la alineación del título, los colores, las fuentes, etc.

1109 Quinta Avenida, 212-423-3200, thejewishmuseum.org

Fred Tomaselli, Estudio del 2 de junio de 2018, 2018, Técnica mixta sobre panel, 24 × 24 × 1 5/16 pulg. (61 × 61 × 3,3 cm), Museo Judío, Nueva York, donación de la Fundación Barnett y Annalee Newman . © Fred Tomaselli.

Las obras de After “The Wild”: Contemporary Art de la Colección de la Fundación Barnett y Annalee Newman son parte de una donación más grande otorgada al Museo Judío en 2018; todos fueron creados por los ganadores del Premio de la Fundación Barnett y Annalee Newman.

La fundación fue creada por Annalee Newman después de que falleciera Barnett Newman, su esposo. (Se conocieron cuando ambos trabajaban como profesores sustitutos en Nueva York). Barnett Newman, conocido principalmente como artista expresionista abstracto, también fue mentor de artistas más jóvenes; Los ganadores de los premios fueron elegidos en parte porque, si bien son diversos en estilo, edad, formación y formación, comparten tanto el sentido de propósito de Newman como su impulso ilimitado y espíritu de exploración.

El título de la exposición se inspiró en la pintura de Newman de 1950 "The Wild", que muestra una “cremallera” naranja (su término para una delgada línea vertical) contra delgadas bandas de negro. Su propósito, en opinión de Newman, era ver si algo “modesto” podía resistir frente a algo más grande e imponente. (La obra en sí mide dos metros y medio de alto y 1 ½ pulgadas de ancho). De hecho, Newman se hizo conocido por sus pinturas caracterizadas por campos de color separados por estas delgadas líneas verticales.

Newman fue conocido durante gran parte de su vida como una influencia en artistas como Frank Stella y Donald Judd; No fue hasta el final de su vida que se dio a conocer como artista por derecho propio.

Los artistas destacados en la exposición incluyen a Larry Bell, Luca Buvoli, Frank Owen, Elizabeth Turk y Jack Youngerman. La exposición ofrece la oportunidad de ver a Newman como artista, influenciador, mentor y creador, y darse cuenta de que las huellas de su trabajo se pueden ver en un destello de color, un corte de línea o la franja de espacio en una pintura en obra de otros artistas. Es una gran oportunidad para rastrear su linaje a través de diversos artistas, y coincidir con lo que afirmó: “Un pintor es un coreógrafo del espacio”. Hasta el 1 de octubre.

1109 Quinta Avenida, 212-423-3200, thejewishmuseum.org

La mariposa en peligro de extinción Gonepteryx maderensis, también llamada azufre de Madeira, se alimenta de un solo tipo de árbol como oruga. © Levon Biss.

Cuando visite el Museo Americano de Historia Natural, es posible que nunca salga de la exhibición de dinosaurios, o tal vez del Planetario. Y es comprensible, pero tampoco deberías perderte las exposiciones especiales. Caso en cuestión: Extintos y en peligro de extinción: insectos en peligro, que utiliza fotografías de gran formato para demostrar 40 especies de insectos importantes pero en peligro.

Los especímenes proceden de la colección de investigación del propio museo; algunas de las fotografías miden hasta 4,5 x 8 pies. (Las colecciones del museo incluyen 34 millones de artefactos, de los cuales casi 20 millones son artrópodos: insectos, crustáceos y arácnidos de todo el mundo).

El fotógrafo Levon Biss utilizó su macrofotografía para mostrar cómo estos insectos están en declive y cuánto son necesarios para mantener saludables nuestros ecosistemas. Cada fotografía de la exposición se creó a partir de hasta 10.000 imágenes individuales utilizando lentes que pueden capturar detalles microscópicos; Cada foto tardó hasta tres semanas en crearse. La yuxtaposición entre el diminuto tamaño de los insectos y las enormes fotografías es sorprendente, y a menudo presentan una extraña belleza. Como señala el fotógrafo británico: "No deberíamos ignorarlos sólo porque son difíciles de ver".

La exhibición incluye insectos tanto familiares como, al menos para nosotros, desconocidos (además de tener grandes nombres): la abeja Calamintha azul; la mosca amante de las flores del Valle de San Joaquín; la mariquita de nueve puntos; la mosca hawaiana de la fruta cabeza de martillo. Algunas de las muestras eran tan frágiles que el personal del museo tuvo que llevarlas al estudio del fotógrafo; otros son tan raros que se requirió permiso del gobierno para enviarlos a Inglaterra.

Si bien las fotografías pueden considerarse impresionantes por derecho propio, es de esperar que los visitantes se den cuenta de la importancia de los insectos para el ecosistema mundial, y de que, aunque son pequeños, su importancia es enorme.

200 Central Park Oeste, 212-769-5100, amnh.org

Lauren Halsey (estadounidense, n. 1987) Vista de la instalación de The Roof Garden Commission: Lauren Halsey, el lado este del prototipo de arquitectura de jeroglíficos del centro sur de Los Ángeles (I), 2022 © Lauren Halsey. Cortesía del artista; Galería David Kordansky, Los Ángeles/Nueva York Crédito de la imagen: Museo Metropolitano de Arte, Foto de Hyla Skopitz.

Una de las exhibiciones más esperadas cada año es la instalación de un jardín en la azotea específico del sitio en el Museo Metropolitano que se estrena cada primavera.

Este año, la exposición será creada por Lauren Halsey, artista conocida por su uso de la arquitectura para mostrar la realidad de los barrios urbanos en lugares como el centro sur de Los Ángeles. Su trabajo ha aparecido en The Studio Museum en Harlem y en el Museo de Arte Contemporáneo (MoCA) en Los Ángeles. Halsey es la décima ganadora de la comisión Roof Garden. (Su instalación en el Met se retrasó un año debido a problemas logísticos).

La exposición del Met, de hecho, consistirá en una estructura arquitectónica inspirada en el barrio del centro sur de Los Ángeles donde creció Halsey. Se alentará a los visitantes a explorar e interactuar con la exhibición; sus influencias serán tan variadas como la arquitectura utópica de los años 60; simbolismo del antiguo Egipto; y expresiones visuales como el etiquetado, al servicio de observar cómo las personas hacen suyos los lugares públicos.

La instalación incluirá 750 losas de hormigón; una estructura de cuatro paredes se elevará 22 pies en el aire y será visible desde Central Park (sin mencionar los pisos superiores de muchos edificios de la Quinta Avenida). Una de las glorias de las instalaciones del Roof Garden es siempre verlas en concierto con el parque y los edificios circundantes. El trabajo de Halsey estará ubicado sobre un piso de 2,500 pies cuadrados rodeado de azulejos con un símbolo de llave griega. Cuatro esfinges con los rostros de seres queridos y familiares protegerán la estructura, mientras que cuatro columnas también estarán rematadas con retratos de amigos y familiares; están inspirados en el templo de Hathor en Dendera, Egipto.

La instalación de Halsey reflexionará sobre el significado del activismo social y los espacios cívicos, así como sobre las ideas de participación comunitaria vistas a través de la lente de la arquitectura. Es una instalación que merece una mirada detenida, así como un paso atrás literal y figurativo. Hasta el 22 de octubre.

Museo Metropolitano de Arte, The Iris and B. Gerald Cantor Roof Garden, 200 Central Park West, 212-769-5100, amnh.org

Conocido por crear instalaciones inmersivas que incorporan video, diseño, escultura y fotografía, el artista Josh Kline está recibiendo ahora la primera encuesta de un museo sobre su trabajo en los Estados Unidos. (Su trabajo se ha exhibido anteriormente en la trienal del New Museum, a lo largo de High Line y en varias exposiciones de Whitney, incluida la Bienal de Whiney de 2019).

El trabajo de Kline es conocido por cuestionar cómo las nuevas tecnologías cambian la vida de las personas en el siglo XXI. También es conocido por utilizar las mismas tecnologías (incluidas la manipulación de imágenes, la impresión 3D, la digitalización y la publicidad comercial y política, entre otras) que examina a través de su arte. Sus vídeos más conocidos utilizan software de falsificación temprana para reflexionar sobre el significado de la verdad en un mundo donde la verdad no siempre está a la vanguardia de la política y la cultura. Kline también examina cómo cuestiones sociales y políticas que van desde el cambio climático hasta el debilitamiento de la democracia afectan profundamente a la fuerza laboral en este país; Gran parte de la exposición se centra en el trabajo y la clase.

De hecho, el cambio climático está fuertemente representado en la exposición, que abarca la última década de la carrera del artista y también incluye nuevas instalaciones. Nuevas obras de “ciencia ficción” especularán sobre los efectos del cambio climático y los trabajadores esenciales que serán quienes se ocuparán de su impacto.

Más que una exposición, la obra ofrece una advertencia sobre el futuro potencialmente peligroso que enfrentan los humanos, así como un llamado a tomar nota y actuar. Josh Kline: Proyecto para un nuevo siglo americano estará expuesto en el Museo Whitney de Arte Americano hasta el 13 de agosto.

99 Gansevoort St., 212-570-3600, whitney.org

Vista de la instalación de Inheritance (Whitney Museum of American Art, Nueva York, 28 de junio de 2023 a febrero de 2024). De izquierda a derecha: Andrea Carlson, Red Exit, 2020; Mary Beth Edelson, Concha Venus, 1974-75; Mary Beth Edelson, Sofía Roja, 1974-75; María Beth Edelson, Louise, 1974-75. Fotografía de Ron Amstutz.

¿Qué es una herencia? La exposición del mismo nombre en el Museo Whitney explora los diferentes significados de la palabra, inspirándose en la película de 2020 de Ephraim Asili.

Cuarenta y tres artistas, entre ellos Asili, Kara Walker, Sherrie Levine y Kambui Olujimi, están representados en la exposición, que incluye aproximadamente 60 obras poco vistas, así como nuevos fondos. Esculturas, vídeos, pinturas, instalaciones multimedia y fotografías de la década de 1970 en adelante analizan la idea de legado, aunque con líneas familiares, históricas e incluso estéticas. Las obras incluyen la película Antepartum (1973) de Mary Kelly y la instalación Family Tree II (2022) de Sadie Barnette.

La exposición comienza con obras de arte que examinan el ciclo desde el nacimiento hasta la muerte. En las galerías se exploran varios tipos de linaje por tema, incluida la forma en que los artistas toman la historia del arte y la replantean en su trabajo. Otros tipos de herencia incluyen la herencia histórica e incluso la herencia de memorias ancestrales. Los temas tratados son amplios y ambiciosos: Covid, las tradiciones religiosas africanas, la vida humana y las fuentes de inspiración artística. Los temas del colonialismo y la esclavitud africana también se exploran a través de obras de arte como la escultura en losa de Kevin Beasley The Road (2019) y Estados Unidos de Attica, una litografía de 1971 de Faith Ringgold.

La exposición es conmovedora y extensa, y cubre una multitud de preguntas sobre la herencia y su propio legado.

Las verdaderas preguntas que plantea la exposición: ¿Cómo llegamos hasta aquí? E igualmente importante… ¿adónde vamos? Hasta febrero de 2024.

99 Gansevoort St., 212-570-3600, whitney.org

Dorothy Liebes Studio, Nueva York, fotografiada para House Beautiful, octubre de 1966; Documentos de Dorothy Liebes, Archivos de Arte Americano, Institución Smithsonian.

A Dorothy Liebes, una de las diseñadoras más influyentes del siglo XX, se le atribuye la introducción tanto de artículos hechos a mano como de deslumbrantes toques de color en el interior moderno. De hecho, su estética era tan popular que tiene su propio nombre y subgénero: el “Liebes Look” pasó a significar colores llamativos, texturas ricas y, a veces, un destello de metal. Sus colaboraciones con arquitectos como Frank Lloyd Wright y diseñadores como Pauline Trigere ayudaron a implementar una estética estadounidense, visible en todo, desde el diseño industrial hasta los interiores de las casas y las películas. La obra de Liebes estuvo presente en el Comedor de Delegados de las Naciones Unidas, así como en Shangri La, la casa en Honolulu de Doris Duke, la heredera y filántropa. Una parte importante del trabajo de Liebes fue que sus telas fueran asequibles, lo que significaba que eran más accesibles a más personas y, por lo tanto, tenían un amplio alcance.

La exposición examina no sólo la producción de la diseñadora, sino también los detalles de su carrera, así como el impacto total de sus contribuciones en general. Cuenta con más de 125 obras, entre textiles, muestras, moda, muebles, fotografías y documentos.

"A Dark, A Light" incluye cinco secciones discretas que van desde "The Modern Interior", que presenta las telas tejidas a mano de Liebes, hasta "The Liebes Look", que muestra su facilidad para crear espacios públicos espectaculares, con un presupuesto limitado. Sala de observación de primera clase en el SS Estados Unidos, así como el buque insignia 747 de American Airlines. También se referencian los interiores de hoteles como la Sala Persa en el Hotel Plaza y el Marco Polo Club en el Waldorf Astoria. La sección final, “La fábrica de ideas” ”, toma muestras de la colección permanente del museo para mostrar la voluntad del diseñador de experimentar con nuevas combinaciones de colores y materiales.

Y en caso de que quieras probar tú mismo la técnica de Liebes, el título de la exposición hace referencia a su “receta” para crear una escena de color, ya sea en la moda o en casa: “Un oscuro, una luz, un brillo”. Hasta el 4 de febrero de 2024.

2 E. 91st St., 212-849-8400, cooperhewitt.org

Paul Huet (1803–1869), Estudio para "Bosque de Fontainebleau: Cazadores", ca. 1866. Tiza negra y lavado marrón y gris sobre papel vitela verde grisáceo, realzado con gouache, 11 1/4 x 18 pulg. (285 x 440 mm). Donación de Karen B. Cohen, 2022.339.

La misma frase "Into the woods" evoca visiones de bosques oscuros y árboles centenarios, un entorno primitivo donde manda la naturaleza. La exposición Into the Woods: French Drawings and Photographs from the Karen B. Cohen Gift presenta dibujos y fotografías de las colecciones de la renombrada coleccionista Karen B. Cohen, así como obras de arte extraídas de la propia colección del museo.

Con más de 50 obras de arte sobre papel de artistas franceses del siglo XIX, la exposición explora el paisaje rural y el papel que desempeñaron los artistas al examinar la relación entre las personas y la naturaleza.

La relación de los propios artistas con la naturaleza se redefinió radicalmente con la invención de los equipos portátiles y el papel floreciente del ferrocarril. Las representaciones artísticas de la naturaleza crecieron hasta abarcar nuevos medios, desde el carboncillo hasta la fotografía. Y el tema mismo cambió, con un nuevo énfasis en las clases trabajadoras rurales (incluidas las mujeres) y un alejamiento de la idealización de la naturaleza.

La exposición incluye fotografías de Karl Bodner, el litógrafo francés suizo, así como estudios al carboncillo de Paul Heut, incluido el estudio melancólico de Forest of Fontainebleau: Hunters, que utiliza tiza negra y aguada marrón y gris para crear un paisaje de arena salvaje de árboles con ramas retorcidas, empequeñeciendo a los cazadores que cabalgaban debajo de ellos.

El nuevo énfasis en la naturaleza también tuvo un beneficio inesperado: un aprecio por ella que hizo que los artistas no solo disfrutaran del aire libre, sino que hicieran campaña para su preservación: en 1861, parte del bosque de Fontainebleau fue designado reserva natural.

La relación humana con la naturaleza, materia tanto de cuentos de hadas como de cruda realidad, ha cautivado la imaginación humana y ha sido la base de historias y obras de arte a lo largo del tiempo. La exposición ofrece una mirada fascinante a cómo cambió esta relación, enfatizando su nuevo papel, y ocasionalmente se asoma un poco del cuento de hadas. Hasta el 22 de octubre.

225 Madison Ave., 212-685-0008, theorgan.org

Bridget Riley (n. 1931), revisión B del 24 de octubre de 1986. Colección del artista. © Bridget Riley 2023. Todos los derechos reservados.

La artista británica Bridget Riley, una de las artistas abstractas más reconocidas de su generación, es ahora objeto de una exposición en la Biblioteca y Museo Morgan, la primera dedicada exclusivamente a sus dibujos en más de 50 años. Proporciona una experiencia inigualable para entender su arte y su proceso; la oportunidad de echar un vistazo a su práctica de estudio.

Se pueden ver más de 75 estudios de la colección del artista; todos fueron creados entre las décadas de 1940 y 2000. Aquí tienes la oportunidad de ver los dibujos figurativos y paisajísticos realizados durante sus años de estudiante, mirando a la naturaleza y la forma humana; los estudios en blanco y negro de su obra más conocida durante la década de 1960, cuando se la asoció con el movimiento Op Art (un estilo de arte que utiliza ilusiones ópticas); y las composiciones de colores vivos de la década de 1960 en adelante. ¿Las herramientas? Papel, tinta, lápiz, gouache, todo al servicio de la exploración y la creación con obras sobre papel. Riley es mejor conocida por sus sorprendentes creaciones geométricas; A finales de la década de 1960, su enfoque pasó del uso de tonos de blanco, negro y gris a utilizar colores a menudo llamativos en sus ondas y líneas características. Imbuidos de vida, parecen cambiar y bailar ante los ojos del espectador, adquiriendo nuevas formas y expresiones. Las imágenes literalmente parecen moverse o vibrar y, a menudo, parecen contener imágenes ocultas dentro de la obra de arte.

Los espectadores pueden vislumbrar influencias del puntillismo y otros movimientos artísticos en el trabajo de Riley, pero lo que también es evidente es cómo tomó el medio y lo hizo suyo y cómo, a sus 92 años, no muestra signos de desaceleración. Hasta el 8 de octubre.

225 Madison Ave., 212-685-0008, theorgan.org

La primavera trae consigo una gran cantidad de nuevas exhibiciones en museos, así como la oportunidad de ponerse al día con algunas que quizás se haya perdido. Por ejemplo, Monet to Morisot: The Real and Imagined in European Art, que se exhibirá en el Museo de Brooklyn hasta finales de noviembre.

Con aproximadamente 90 obras de principios de los siglos XIX y XX de la propia colección del museo, la exposición se centra en artistas nacidos en Europa o sus colonias, durante una era de enormes cambios en la sociedad, incluidos los temas y técnicas de los artistas. Durante ese tiempo, los artistas se alejaron de la representación más “tradicional” para centrarse más en escenas de la vida cotidiana.

En la exposición se exponen obras de Claude Monet, Henri Matisse, Berthe Morisot, Pablo Picasso, Gustave Courbet y más, y se anima a los visitantes a considerar preguntas como: ¿Qué es real y qué se imagina en las obras que reflejan visiones de género? ¿Clase, trabajo y otras categorías? ¿Quién produce estos marcos de referencia?

Curiosamente, las obras no se presentan cronológicamente, lo que ofrece a los espectadores la oportunidad de mirarlas con una mirada nueva y reflexionar sobre cuestiones como las distintas visiones que se ofrecen sobre temas como el género y la clase.

Estas obras de arte en particular no se han expuesto juntas durante ocho años y presentan una oportunidad para pensar en las historias que cuentan las obras y hacer conexiones tanto entre estas obras de arte como con otras obras de la colección del museo. Obligan al espectador a reexaminar la noción del canon europeo tradicional que es, en sí mismo, imaginado y real.

Aparte de sus fundamentos filosóficos, las obras ofrecen la oportunidad de deleitarse con los colores exuberantes y llenos de color de algunas pinturas gloriosas, volver a visitar viejos favoritos y tal vez descubrir algunos nuevos, y salir con una sensación de asombro y descubrimiento. Hasta el 19 de noviembre.

200 Eastern Parkway, 718-638-5000, brooklynmuseum.org

Vista de instalación, Tracey Rose: Shooting Down Babylon, Queens Museum (23 de abril de 2023 - 10 de septiembre de 2023). Foto cortesía del Museo de Queens, crédito Hai Zhang.

Este verano, el Museo de Queens ofrece dos exhibiciones, hasta el 10 de septiembre, que analizan implacablemente temas que van desde el racismo hasta historias de la humanidad.

Tracey Rose: Shooting Down Babylon incluye una variedad de medios, desde el cine hasta la fotografía, desde la escultura hasta la pintura, desde la década de 1990 hasta el presente; La exposición viajó a Nueva York desde el Museo Zeitz de Arte Contemporáneo de África. Las primeras obras de Rose a menudo exploraban estrechos tropos de identidad, mientras que el arte posterior a menudo se centra en la violencia y, aún más recientemente, en la curación. En el centro de la exposición hay un énfasis tanto en el cuerpo (a menudo el propio cuerpo del artista) como en la performatividad (el poder del lenguaje para efectuar cambios en el mundo). El artista nacido en Sudáfrica confronta temas de colonialismo y racismo, lo que obliga a los espectadores a confrontar y examinar cuestiones (y verdades) que pueden resultar incómodas e inquietantes.

El sonido también juega un papel importante en la exposición, como en Babylon X, la videoinstalación que aborda el legado duradero del colonialismo y su impacto continuo en la sociedad.

También se podrá ver hasta el 10 de septiembre Aliza Nisenbaum: Queens, Lido y Querido. Llena de colores vibrantes que saltan del lienzo, la obra de Nisenbaum representa historias humanas, individualmente o en grupos, pero siempre impregnadas de humanidad. Esta exposición se centra en la relación del artista con la gente del Museo y con el vecindario circundante. (El título de la exposición proviene de la canción “México, lindo y querido”.) Las obras se centran en la relación del artista con los modelos y sus entornos, prestando especial atención a lo que la gente valora. La participación de Nisenbaum con el Museo de Queens comenzó cuando se ofreció como voluntaria para un proyecto diseñado para involucrar a la comunidad mayoritariamente hispanohablante del área. Una clase que ella impartió condujo a una serie de retratos de los estudiantes y sus familias.

La exposición incluye un retrato de los empleados de Delta Airline y Port Authority, encargado para la nueva Terminal C del aeropuerto LaGuardia, así como retratos de miembros del personal del museo y de los estudiantes del artista.

Juntas, las exhibiciones forman representaciones de lucha y curación; cuestiones sociales y retratos íntimos, con el mensaje general del papel del arte para registrar, observar, facilitar el compromiso e interactuar con el mundo y las personas que lo habitan. Ambas exposiciones estarán abiertas hasta el 10 de septiembre.

Edificio de la ciudad de Nueva York, Flushing Meadows, Corona Park, 718-592-9700, queensmuseum.org

Celebrando su 400 aniversario este año, el Primer Folio de Shakespeare contiene 36 de las obras del Bardo. Considerado durante mucho tiempo uno de los libros más importantes de la literatura inglesa, el First Folio fue compilado por primera vez por John Heminge y Richard Condell, amigos de Shakespeare y actores. Con toda probabilidad, las obras fueron reproducidas a partir de ediciones anteriores, versiones de guiones de producción y borradores del propio Shakespeare. Obras como Macbeth y La Tempestad probablemente se habrían perdido sin el Primer Folio.

En honor al 400 aniversario, las seis copias de la biblioteca estarán en exhibición hasta el 1 de octubre de 2023 (una copia ha estado a la vista desde septiembre de 2021). Se cree que se imprimieron entre 700 y 750 copias del primer folio en el principios del siglo XVII; sólo quedan 235, todas impresas en papel de alta calidad y cada una única debido al proceso de impresión. Los folios de la biblioteca incluyen copias de las colecciones fundacionales donadas por William Astor, James Lenox y Samuel J. Tilden. Se pueden notar pequeñas diferencias, como una página de título adicional en una copia de Lenox. Es una experiencia extraordinaria y extrañamente conmovedora contemplar las obras del dramaturgo inglés más famoso del mundo en este formato, justo frente a ti.

Además de las obras en sí, los Folios presentan un retrato de Shakespeare realizado por Martin Droeshout el Joven, así como un poema de Ben Johnson, considerado durante mucho tiempo el rival del Bardo. También está presente una lista de los 26 actores que actuaron en las obras de Lord Chamberlain's Men, que se convirtió en la compañía de teatro King's Men; incluye a Shakespeare y a Richard Burbage, el actor que originó muchos papeles trágicos principales. El índice muestra, por primera vez, cómo se clasificaron las obras por género.

La exposición también incluye un grabado de Londres del siglo XVII que muestra los lugares donde se representaron las obras de Shakespeare, así como los lugares donde se imprimieron y vendieron los libros.

También se exhiben manuscritos, obras de arte, cartas y más, que abarcan 4000 años, desde la introducción de la palabra escrita hasta el presente.

Todos son dignos de atención, pero como la colección completa de Folio estará disponible solo hasta el 1 de octubre, la obra es la clave.

476 Quinta Avenida, 917-275-6975, nypl.org/spotlight/treasures

Daniel Lind-Ramos. El Viejo Griot (El Viejo Narrador) (detalle). 2022-2023. Foto de Steven Paneccasio.

El artista puertorriqueño Daniel Lind-Ramos utiliza objetos encontrados y que le fueron regalados para crear videoinstalaciones y enormes esculturas. Inspirándose en su lugar de nacimiento, Loiza, Puerto Rico, Lind-Ramos se inspira en la cultura de su ciudad natal, especialmente en la pesca, la cocina y la agricultura (así como en las mascaradas). También se exploran temas relacionados con la pandemia, el huracán María (2017) y el precio que ha cobrado el medio ambiente.

El título de la exposición, que se traduce como “El anciano narrador: una historia de todos nosotros”, está tomado de un personaje de las Fiestas anuales de Santiago Apóstol de la ciudad, que es responsable de interpretar el pasado y el presente de la ciudad.

Muchas de las obras se refieren directamente a elementos de la tormenta, como el viento y los rayos, pero también hacen referencia a cómo las comunidades trabajaron juntas después de que pasó.

Las obras expuestas son a menudo multidimensionales y táctiles, incorporando diferentes materiales, formas y colores. Representan la exposición más grande hasta la fecha del trabajo del artista, combinando objetos que abarcan lo personal, lo comunitario y lo regional, utilizados tanto para la decoración como para el trabajo. Estas vibrantes ofertas incluyen más de 10 obras a gran escala, incluidas algunas nunca mostradas y otras realizadas en el último año; incorporan materiales tanto artificiales como orgánicos. La exposición también incluye dos trabajos en vídeo.

Deténgase en la obra que recibe a los visitantes cuando ingresan a la exposición: El Viejo Griot (2022-23). La proa y los remos de un pequeño barco navegan hacia el espectador, sobre un mar hecho con lonas de FEMA. Es a la vez íntimo y global en su significado; poderoso y extrañamente familiar a la vez. Los sacos tienen fechas importantes, desde 1511 por la rebelión taína contra los españoles hasta 1797 por la batalla de San Juan. A bordo del barco hay congas, baldes e incluso una corneta; la mezcla de lo majestuoso y lo más caprichoso es sorprendente tanto por su simplicidad como por su universalidad, al igual que la exposición misma. Hasta el 4 de septiembre.

22-25 Jackson Ave., Long Island City, 718-784-2086, momaps1.org

Kahlil Gibran, El mundo divino, 1923. Carbón, 11x8½ pulgadas (28x21,6 cm). Colección del Museo Gibran Khalil Gibran, cortesía del Comité Nacional Gibran.

Coincidiendo con el centenario de El profeta de Kahlil Gibran, The Drawing Center exhibe el trabajo del poeta con Una mayor belleza: los dibujos de Kahlil Gibran, hasta el 3 de septiembre. El Profeta consta de 26 poemas en prosa sobre temas que van desde el amor a la libertad, el bien y el mal, la religión y la muerte. Fue publicado originalmente en 1923 y traducido a más de 100 idiomas; nunca ha estado agotado. Los escritos de Gibran eran famosos por romper con las estrictas convenciones de la poesía y la prosa árabes; sus obras incorporaron elementos de la psicología junguiana, el cristianismo, el budismo y el islam, y fueron una revelación para las poblaciones de habla árabe.

La exposición ofrecerá una selección de sus dibujos y bocetos, junto con cuadernos, correspondencia, ilustraciones de revistas, primeras ediciones, páginas manuscritas y ensayos. Juntos, sirven como una ventana tanto a su proceso de trabajo como a su estética.

Naudline Pierre, Don't Be Afraid, 2022. Acrílico, tinta y tiza pastel sobre papel, 15 x 11 pulgadas (38,1 x 27,9 cm). Cortesía del artista © Naudline Pierre y James Cohan, Nueva York. Fotografía de Paul Takeuchi.

Apertura al mismo tiempo: Naudline Pierre: Esto no es todo lo que hay. La exposición, que representa mundos ricos y faccionales de una mitología creada por ellos mismos, se centra en dibujos en aguada en capas y pinturas exuberantes. Pierre, cuyo padre fue un ministro haitiano, crea obras que incorporan iconografía religiosa desde retablos hasta arquitectura eclesiástica. Criaturas aladas y seres ardientes toman forma en fondos que evocan mundos submarinos y, en los cielos, con capas y explosiones de color y profundidad.

Las dos exhibiciones forman una contraparte fascinante, que toca temas que van desde el amor al conflicto, de la pérdida a la redención, impulsadas por dos visiones del mundo diferentes, pero conectadas por una pasión por dar vida a estas ideas de manera brillante y estimulante. Hasta el 3 de septiembre.

35 Wooster St., 212-219-2166, dibujocenter.org

Carl Klewicke (1835–1913), Colcha de diseño original, Corning, Nueva York c. 1907. Seda, faya, tafetán y satén en piezas, 60 x 72 1/2 pulgadas. Museo de Arte Popular Americano, Nueva York, compra del museo, 2012.1.1.

A través de 35 quilts y obras de arte relacionadas, What That Quilt Knows About Me explora el poder personal y emocional del quilting. Vea algunas historias de vida inesperadas a través de trabajos que abarcan los siglos XIX y XXI. Hasta el 29 de octubre.

2 Lincoln Sq., Columbus Avenue con West 66th Street, 212-595-9533, folkartmuseum.org

El Juicio Final; Seguidor de Hieronymus Bosch, holandés, ca. 1450-1516; finales del siglo XVI; óleo sobre panel, 29 7/8 × 37 3/4 pulg. (75,9 × 95,9 cm); Museo de Arte de Filadelfia; Colección John G. Johnson; 1917, gato. 386

El arte del budismo tibetano y el cristianismo se utilizan como lente a través del cual examinar las ideas de la muerte y el más allá en “La muerte no es el fin”, ahora abierto en el Museo Rubin.

La exhibición presenta pinturas al óleo, adornos de hueso, grabados, esculturas, objetos rituales y más, para un total de 58 objetos que abarcan 12 siglos. “La muerte no es el fin” incluye obras de la propia colección del museo, así como préstamos de instituciones como el Museo Metropolitano de Arte, el Museo de Bellas Artes de Boston y la Biblioteca y Museo Morgan.

La exposición está organizada en torno a tres temas: La condición humana, una mirada a una comprensión compartida de nuestra mortalidad; Estados intermedios, los conceptos de limbo, purgatorio y bardo (el estado de existencia entre dos vidas en la tierra); y (Después) de la vida, que examinan la resurrección, el cielo y la transformación.

Los objetos de la colección del museo incluyen la pintura tibetana de la Rueda de la Vida del siglo XIX, que ilustra temas como la inevitabilidad de la muerte y el renacimiento, y Los Señores del Osario, una escultura de terracota pintada de esqueletos danzantes.

En su conjunto, las obras de arte invitan a los espectadores a considerar la idea del anhelo de los humanos de existir incluso después de la muerte y la aceptación de la duración finita de la vida humana. La exposición es parte del enfoque anual del museo sobre “La vida después”, que considera momentos de cambio que nos llevan a lo desconocido.

La poderosa exhibición examina temas que son a la vez incómodos y universales, animando a los espectadores a abordar ideas que pueden ser a la vez aterradoras, fascinantes y, sobre todo, humanas. Hasta el 14 de enero.

150 W. 17th St., 212-620-5000, rubinmuseum.org

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